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Finora non mi è mai capitato di commentare un EP su cassetta. Ecco spiegata l’insolita lunghezza dell’immagine a fianco. Ne approfitto quindi per parlarvi dei Klam, quartetto proveniente da Pisa composto da ex membri dei Magdalene e dei Chambers. Nonostante i riferimenti elencati dal gruppo (Wire ad esempio, oppure i Ride) le quattro tracce presenti nell’EP sembrano indicare una certa predisposizione alle sonorità dei Xiu Xiu: Pretty Girls Have AIDS, forse la traccia migliore, ha alcuni spunti vocali che sembrano di chiara marca Placebo (soprattutto nella parte conclusiva) e che potrete ritrovare anche negli altri brani. Risulta evidente comunque l’attenzione e l’interesse per le sonorità di fine ’70-inizio ’80, con bassi profondi e incisivi e schitarrate continue.  Il continuo rincorrersi tra furia sonora e melodia prosegue nel resto del disco, che rimane sopra la media delle attuali produzioni grazie a ottime strutture dei brani (Gimme Black Metal), e interessanti evoluzioni sonore (Me and my microwave, presumibilmente dedicata a me stesso e alle mie difficoltà con questo strumento). Un buon debutto, il problema ora sarà trovare un mangianastri.

 
Label: Autoprodotto
Anno: 2013

Tracklist:

1.    Gimme Black Metal
2.    Me and my microwave
3.    Pretty Girls have AIDS
4.    Let’s Start a War

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Mark Lanegan & Duke Garwood

Dopo il successo del tour nel 2012 a supporto di Blues Funeral, suo primo disco solista in otto anni e a seguito della recente data a Bollate (MI) insieme alla sua band, il leggendario Mark Lanegan torna ancora una volta ad emozionare il pubblico italiano con la sua inconfondibile voce baritonale, stavolta in coppia con il multi strumentista londinese Duke Garwood (che ha già lavorato con Wire, Kurt Vile, Savages tra gli altri), a supporto della loro collaborazione sfociata nell’incredibile album Black Pudding, pubblicato lo scorso maggio per Heavenly Recordings. Queste le date:

Lunedì 18 Novembre 2013
BOLOGNA – TEATRO DUSE

Martedì 19 Novembre 2013
MESTRE (VE), TEATRO CORSO

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Three Second Kiss, sono stati selezionati per la line up della nuova edizione dell’ATP “The Nightmare Before Christmas”, curata da Steve Albini degli Shellac Of North America. Il festival si terrà dal 30 Novembre al 2 Dicembre al Camber Sands Holiday Camp, UK .Tra le band che parteciperanno all’evento, ricordiamo gli stessi Shellac Of North America, Neurosis, Wire, Mission Of Burma, Oxbow, Nina Nastasia , Melt Banana, The Ex + Brass Unbound, Mono, Shannon Wright, Zeni Geva, gli italiani Uzeda e altri ancora per un programma che si preannuncia intenso come non mai. In questo contesto assume, quindi, un rilievo particolare l’invito ai TSK a 10 anni di distanza dalla loro precedente partecipazione datata 2002.E’ disponibile sul sito ufficiale dell’Atp un’intervista alla band bolognese con un link alla palylist, creata appositamente per l’evento, che include The Sky Is Mine, brano tratto da Tastyville il nuovo album che uscirà il prossimo 5 Novembre 2012 su African Tape/Goodfellas.

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The Aberrant Years è la storia di Rick, Allen e Tom. The Aberrant Years racconta le vicende di una fase della loro vita, di quando le loro anime si sono incrociate nei locali di Sydney e di quando hanno deciso di suonare insieme. The Aberrant Years è la testimonianza lasciataci dai Feedtime e racchiude al suo interno i 4 album pubblicati dal gruppo durante la sua breve ma intensa vita. Tutti editi per la Aberrant Records appunto, e ripubblicati da poco dalla Sub Pop in una edizione sontuosa e memorabile. Non solo per il packaging delizioso, per le splendide cover e per la meritoria opera di raccordo di un’esperienza incredibile; ma soprattutto per la potenza sonora racchiusa dentro gli anni aberranti dei Feedtime, dall’uscita dell’album omonimo nel 1985 alla decisione di sciogliere il gruppo nel 1989. Nel pieno di quegli anni ’80 che sono stati veramente aberranti secondo molti guru musicali: per la legge del contrappasso questi guru verranno  puniti con 4 coltellate in pieno petto, per mano di 4 dischi uno più devastante dell’altro. La parabola dei Feedtime comincia ben prima del loro esordio discografico, a testimonianza di una difficoltà di fondo del gruppo nell’entrare in sintonia con un’epoca difficile e piena di veloci trasformazioni, ed un Paese, l’Australia, che si mostra tiepido nei loro confronti. Parliamo di un’altra epoca, lontana dalle infinite possibilità di oggi, dove Facebook e Myspace erano ancora lontani dall’essere concepiti (come i loro fondatori, d’altronde) e dove per poter suonare e farsi ascoltare bisognava essere costanti, decisi, indistruttibili. Come una motocicletta, spesso citata nei testi dei Feedtime, sinonimo di una voglia di evadere irrefrenabile, nonché degli anni in movimento di cui abbiamo già accennato. Ed eccola qui allora, la devastante I wanna ride, contenuta nel primo album omonimo: un fenomenale disegno onomatopeico dell’essere moto ed in moto, attraverso pennellate ferme e regolari, con colori scuri e post punk presi a prestito dalla tavolozza dei Wire. Il paragone con la band inglese non li abbandonerà mai, in special modo nel secondo album, quel Shovel, dove il suono grezzo, devastante ed impuro del primo periodo lascia il posto ad una maturazione più consapevole, ad una complessità maggiore degli esordi. Prova ne è la fantastica Nice, ossessiva, catatonica e martellante, come il resto del disco, sicuramente tra i più riusciti della loro carriera e che lascia intravedere un passaggio fondamentale che affascinerà anche l’altra sponda del Pacifico, impegnata in quegli stessi anni in un’operazione non dissimile che avrà il suo epicentro in Seattle: ascoltare la seminale Curtains per avvertire il passaggio al grunge in piena esplosione, con i Feedtime che impreziosiscono spesso il tutto con l’utilizzo di trombe opportunamente schizzate e deviate verso quel lato oscuro dal quale la band sembra non volersi discostare. La fase finale approderà infine a Suction, dove le influenze grunge risulteranno ancora più evidenti (ascoltare Drag your Dog è come ascoltare un qualsiasi pezzo dei Mudhoney), ma vengono affiancate da scavi profondi verso le radici del suono dei Feedtime: la distortissima Confused Blues disorienta l’ascoltatore senza lasciargli un attimo di respiro, aggredendolo con una regolarità soffocante.
Sono solo alcuni dei pezzi contenuti in questa raccolta, ma avremo potuto citarne decine, dall’esplicita Pumping a line alla krautissima Rumble. Aggiungendo in più l’omaggio di Cooper S, dove sono raggruppate le cover più riuscite del gruppo e che dimostra come l’apprendistato sia stato fatto a scuola di gente come Rolling Stones, The Stooges, X, Ramones, Animals e perfino Beach Boys. In perfetto stile con quel rock’n’roll cantato ed osannato in Shovel, ma ai cui misteri non tutti sono in grado di accedere…

Label: Sub Pop
Anno: 2012

Tracklist
1. haha
2. fastbuck
3. all down
4. mandead / searching the desert
5. doesn’t time fly
6. dead crazy
7. don’t like
8. f#
9. clowns
10. gee
11. southside johnny
12. i wonder what’s the matter with papa’s little angel child
13. i wanna ride
14. small talk
15. don’t tell me
16. shovel
17. rock n roll
18. mother
19. more than love
20. george
21. nobodys fault but mine
22. fractured
23. love me
24. baby baby
25. nice
26. shoeshine shuffle
27. gun ‘em down
28. dog
29. curtains
30. safari
31. rumble
32. plymouth car is a limousine
33. fun fun fun
34. if you cant
35. last time
36. hear me calling
37. h.d.
38. i don’t wanna go out
39. lightning’s girl
40. sad, lonely and blue
41. pure religion
42. play with fire
43. loudmouth
44. we’ve gotta get out of this place
45. paint it black
46. street fighting man
47. ann
48. take the buick
49. buffalo bob
50. small talk
51. don’t tell me
52. ann (au go go mix)
53. motorbike girl
54. possum
55. drag your dog
56. ever again
57. highway
58. confused blues
59. i’ll be rested
60. pumping a line
61. meter
62. social suction
63. trouble
64. valve frank
65. arse

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Teho Teardo

Ennesima prova d’autore per il compositore, musicista e sound designer Teho Teardo che firma la colonna sonora di Diaz, il film di Daniele Vicari ispirato ai fatti di Genova. Anche per questo lavoro sono presenti come esecutori il Balanescu Quartet e la violoncellista Martina Bertoni. Contemporaneamente all’uscita di Diaz, Teho Teardo è impegnato a Berlino con Blixa Bargeld, leader degli Einstürzende Neubauten, per incidere un album di canzoni che uscirà probabilmente l’anno prossimo. Saranno editi quest’anno invece i due progetti che Teardo ha realizzato tra Roma e Londra con gli Wire, storico gruppo punk inglese. Il primo con il bassista cantante Graham Lewis che uscirà probabilmente a luglio, il secondo con il chitarrista Colin Newman in cui Teardo suona anche un brano assieme a Johnny Marr, storico chitarrista degli Smiths. Continua inoltre l’intensa attività musicale di Teho con due appuntamenti live importanti, il 6 maggio si esibirà al Dome di Londra al Never Say When, una delle rassegne più importanti di band sperimentali storiche per celebrare i 30 anni della famosa etichetta Broken Flag; il 2 giugno sarà invece in concerto a Roma presso Villa Medici assieme agli Wire.

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Sarà un caso, ma il disco decolla davvero con Il Colpo Di Tacco, fulminea prodezza calcistica che è quasi in via d’estinzione. Tutto ciò per chiarire subito come, al secondo disco, il talento di Daniele sia ormai evidente, nonostante necessiti ancora di migliore focalizzazione, di trovare del tutto la “sua via”, soprattutto musicale. I testi sono ricamati con la “sardonicità” che può facilmente sconfinare nel generazionale di posticcia presa indie, ma per fortuna non avviene. Appare solo il modo di porsi che è proprio di chi ostenta timidezza per nascondere forte desiderio d’espressione e convinzioni dei propri mezzi. Mezzi che, si diceva, ci sono eccome, ma necessitano di un po’ di altra fatica con la carta vetrata per cesellare quello che di forte possiedono per dna. In quanto ai riferimenti, si passa dai Wolfango ai Wire, per arrivare ad un mix di italiche galassie pop da fine millennio con le istanze del primo Bugo. Ed è proprio in riferimento alla capacità del Bugatti di reinventarsi, diventando sempre più stesso, che farebbe piacere ascoltare il prossimo “mondo” di Daniele, perché a capitalizzare i guizzi di cui è ricco La Mitomania, sfrondando la zavorra, le sorprese potrebbero essere molto interessanti.

Label: Musica Sbagliata
Anno: 2011

Tracklist

01.La Mitomania
02.Goffredo
03.Congelatore
04.Frecce
05.Problema Sexuale
06.Il Colpo Di Tacco
07.La Canzone Di Tenco
08.Voltaire
09.Malevita
10.Vinavil
11.La Novità
12.Amnios

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Su una cosa c’è poco da discutere: Jon Burke (chitarre), Adam Green (basso e portavoce del “movimento”), Grant Madden (voce) e Anne Reekie (batteria e seconda voce) sanno come creare hype e imbastire un carrozzone mediatico 2.0 per supportare la loro “filosofia”. Battuto a tappeto ogni anfratto della grande rete, hanno ideato una presunta filosofia personale, basata su escatologia, nichilismo e impatto punk contro tutti e tutto e poi a favore di tutto e tutti. Il disco, poi, non è neanche male, a patto che conosciate poco o si passi aldilà di qualcosa di fondamentale: It Means Nothing So It Means Nothing è, sia dal punto di vista sonoro che da quello concettuale, identico a qualsiasi cosa della prima fase di vita dei Wire e di qualsiasi momento dei Fall. Considerando che quest’anno gli stessi Wire e Fall hanno pubblicato buoni dischi, per quanto poco celebrati, ascoltare gli Scumbag Philosopher è sì piacevole: il mestiere è nelle loro corde e i testi sono irriverenti e divertono il giusto. Solo che il sospetto che si sia alzato un polverone ad arte, per nascondere la totale derivatività (aldilà dell’alternanza vocale maschile/femminile) di ogni secondo del disco è forte ed evidente. Alla fine, quindi, è meglio riscoprire la carriera dei più titolati colleghi o rifugiarsi nella discografia dei gallesi McClusky e dei Future Of The Left. La personalità è sempre stata fondamentali, di questi tempi lo è ancora di più.

Label: Words Music/Goodfellas
Anno: 2011

Tracklist

01.Tickbox Excercise
02.I Like Sums
03.Your Herpes At Home
04.Isolation
05.Scumbag Philosopher
06.God Is Dead So I Listen To Radiohead
07.Sunshine Corporation
08.Social Networking Site
09.On The Shortwave

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Teho Teardo

Specula Records e Audioglobe presentano  Music, film. Music, la raccolta di Teho Teardo che racchiude le sue migliori colonne sonore legate ai film italiani più significativi degli ultimi anni. Da Il Divo di Paolo Sorrentino a La Ragazza del Lago fino a Il Gioiellino di Andrea Molaioli, compresi anche i lavori di Vicari, Cupellini, Chiesa e Incerti. In distribuzione dal 21 novembre, Music, film. Music è un album perfettamente compiuto e indipendente, la conferma ulteriore che Teardo non fa musica per il cinema, ma porta la musica al cinema. In occasione dell’uscita eccezionale di questa raccolta, Ennio Morricone, che nel 2009 consegnò a Teardo l’omonimo premio, dichiara: “Teho Teardo cerca ad ogni costo un’originalità attraverso l’ostinazione dei modelli, della ripetitività, dell’economia dei materiali e del minimalismo personale; in una continua passacaglia, penso che Teardo cerchi molto per trovare delle soluzioni che servano a lui e al film per il quale scrive la musica. L’esperienza mi dice che prima o poi chi cerca trova. Nei passaggi del cercare e del trovare possono esserci dei momenti importanti come quelli presenti in questo bel disco“.
Nonostante intimamente legata ad alcune tra le pellicole più significative degli ultimi anni, la musica reclama, già nel titolo della raccolta, la propria autonomia espressiva, fino a connotare, più che commentare, le pellicole stesse.  Numerosi gli artisti presenti in questo album: Blixa Bargeld, leader degli Einsturzende Neubauten, canta A Quiet Life, canzone scritta con Teardo per il film Una Vita Tranquilla di C. Cupellini; Elio Germano, invece, canta una versione inedita e riadattata di Stanotte cosa succederà, brano presente nella colonna sonora de Il Passato è una terra straniera di D. Vicari (sempre per Vicari, Teardo ha firmato la colonna sonora di Diaz, film ispirato ai fatti di Genova, prossimamente in uscita).
A diversi brani hanno collaborato musicisti straordinari quali il violinista Alexander Balanescu, e il violoncellista Erik Friedlander (John Zorn/Masada), che hanno portato il loro contributo nel definire l’unicità della cifra stilistica di Teho Teardo, sia come compositore e musicista, che come sound designer in grado di muoversi agilmente nei territori della ricerca sonora. Da sempre interessato ad indagare il rapporto tra elettronica ed archi, Teardo sviluppa un personalissimo profilo musicale che lo rende particolarmente riconoscibile, evidenziando così originalità e ricercatezza. “Musically Teho – ha dichiarato Colin Newman, band leader degli Wire, in una recente intervista su Factmag – has a way with beauty that very few have.” Nella potenza evocativa del suono, Teho Teardo trova una via originale per le sue composizioni, le quali non sempre sono basate sulla notazione tradizionale, bensì, grazie all’elettronica, possono utilizzare brevissimi frammenti sonori che costruiscono le melodie. Il suono, quindi, può partecipare alla narrazione e divenire addirittura canzone. Teardo, infatti, oltre ad essere uno dei musicisti più richiesti dal nostro cinema, è la punta più avanzata della ricerca sonora che, proprio nel rapporto con le immagini, vuole delineare una nuova relazione tra gli strumenti della tradizione e l’elettronica.
Tra gli importanti riconoscimenti ottenuti, si annovera la vittoria, dopo quattro candidature, del David di Donatello per la colonna sonora de Il Divo, e il Premio Ennio Morricone come miglior compositore, conferitogli dal Maestro stesso.
Questo album segna anche il debutto nel mondo discografico di Specula, Luogo Eminente per Osservare, l’etichetta discografica di Teho Teardo.

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Wire

Non è semplice scrivere dei Wire. Il gruppo inglese che il 26 febbraio 2009 ritorna al Circolo dopo un’assenza durata un annetto, ha pubblicato qualcosa come 11 album ed una ventina tra singoli ed Ep, il tutto cominciando dal 1977, anno di svolta della musica odierna, “the year the punk broke”, come direbbero non meno illustri contemporanei. Tutti, chi più, chi meno, influenzati dai Wire. L’ultima volta che sono capitato da queste parti è stato a Dicembre, al concerto dei Black Angels: poi per dire la verità la programmazione del Circolo mi ha lasciato un po’ freddino, tranne
stasera. L’anno scorso sono venuto a vederli per la prima volta i Wire: spettacolo entusiasmante, una carica sul palco da far impallidire la maggior parte delle giovani band che girano spesso da queste parti. La vecchia scuola post punk inglese ha ancora molto da insegnare ai ragazzini di oggi. Perciò il tributo di 15 euro richiesti per l’entrata viene pagato
volentieri e l’apparizione sul palco di Colin Newman (voce e chitarra), Graham Lewis (basso) e Robert Grey (batteria) con l’aggiunta di Margaret Fiedler McGinnis (chitarra, ex Laika e collaboratrice di PJ Harvey) al posto di Bruce Gilbert durante i tour, scatena l’entusiasmo del pubblico. Non da tutto esaurito questa sera, come l’anno passato, ma accorso numeroso per omaggiare gente che da 33 anni insegna l’arte del punk rock a tutto il mondo.Come per lo show precedente, l’intenzione dei 4 leoni di Londra è di riaffermare la propria genialità a tutt’oggi resa immortale dai loro capolavori precedenti; e, perché no, mostrare che hanno ancora il loro suono ha ancora i denti affilati, come dimostra Object 47, ultimo disco del 2008. E dalla traccia d’esordio dell’ultimo album pubblicato l’anno scorso si capisce che i Wire amano continuare a fare musica, sperimentare nuovo materiale, suonare, suonare e suonare: On of Us è un pezzo che occhieggia alla New Wave anni ’80. Qualcosa di simile ai New Order, ma con molta più benzina in corpo e rumore che si espande in maniera sempre più dilatata sul finire dei pezzi. Si muovono ancora molto sul palco i leoni inglesi, e sanno graffiare con le loro chitarre elettriche, come dimostra Mekon Headman, perfetto sintesi di suono eighties e vocione dark. Non ci resta altro da fare che ballare come ossessi, muovere la testa in continuazione seguendo i riff sempre più potenti di Newman, che in un crescendo di rumore ci porta all’estasi totale. Lo stile  inconfondibile di un gruppo fantastico.Object 47 è il 47esimo oggetto della sterminata produzione discografica dei Wire, un vulcano in eruzione incapace di fermarsi e che fa scendere le sue colate distorte sulle sue pendici musicali senza soluzione di continuità. Riunitisi ad inizio millennio, dopo circa un decennio di inattività, i Wire oltre ad Object 47 hanno pubblicato il precedente Send, molto più sostanzioso, capolavoro che dimostra la facile istrioneria del gruppo: anche stasera In The Art Of Stopping fa sobbalzare il locale con le sue frenate continue ed accelerazioni improvvise; e la furia di Comet, da cui si rintracciano le origini punk del gruppo, insieme a pezzi come Nice Streets Above, splendida gemma dai connotati più dark ed industrial, o la visionarietà della semistrumentale Read & Burn. Sia Object 47 che Send sono entrambi editi per la Pink Flag, label autogestita che prende il nome dal primo, fortunato disco dei Wire. Ed è dal mastodontico Pink Flag che i Wire suscitano emozioni devastanti nella mente degli ascoltatori, ed è proprio a Pink Flag che Newman & soci attingono a piene mani per soddisfare il bramoso pubblico di stasera. Pink Flag è un  album del 1977, uno degli anni più importanti della storia musicale mondiale, in cui i Sex Pistols pubblicavano Anarchy in the UK ed i Clash posavano la prima pietra della loro incommensurabile costruzione.Capisaldi di una generazione, e monolite nero su cui si posavano gli sguardi dei contemporanei che indicavano col dito e non sapevano darsi una spiegazione: le origini del punk, riflesso di una società incapace di capire e dialogare con i giovani, tara ereditaria che ci portiamo ancora dietro e probabilmente problema insoluto dell’umanità. I Wire, parte di questo triangolo, di questa piramide musicale, seguivano il lato più oscuro del punk, lontano dalle oscenità e dai furori di Johnny Rotten & soci, e dalle influenza politiche del compianto Joe Strummer. Anticipavano in maniera previggente ildecennio dark per eccellenza, con le loro asprezze sonore (Lowdown), quelle chitarre rigonfie di distorsioni (Pink Flag stessa), quella inquietudine che ogni tanto spuntava fuori da pezzi come Strange e la genialità di pezzi come Dot Dash.
Dopo bis e tris, richiesti a gran voce dal pubblico insaziabile, c’è ancora in programma il concerto dei Metronomy, un terzetto di Brighton, già support dell’ultimo tour dei Bloc Party: tre tizi con chitarre, tastiere e portatili che sparano electro-pop. Con tutto il bene che si può volere loro, ed il coraggio che dimostrano, mi chiedo chi è il folle che osa suonare sul palco dopo un live dei Wire. Seguo solo il primo pezzo, anzi, mi accontento di arrivare alla sua metà. Poi abbandono la sala, per conservare intatto nelle orecchie On Of Us e dirigermi canticchiandola verso l’uscita…P.S. Se magari l’anno prossimo dovessero ripassare da queste parti mi travate di nuovo lì. Al 100%. In prima fila.