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Sono passati tre anni dal confusionario e, a tratti, cacofonico Maya, e, nel frattempo, M.I.A. ha tentato l’assalto al mainstream: l’imbarazzante collaborazione con Madonna e Nicki Minaj in Gimme All Your Luvin’ e l’esibizione della stessa al Super Bowl, l’evento sportivo più importante negli Stati Uniti, avrebbero dovuto consacrarla al grande pubblico, dopo anni di underground e solo una hit di successo nelle charts, Paper Planes. Ma qualcosa è andato storto: di fronte a milioni e milioni di americani, Maya Arulpragasam si è lasciata andare a un vistoso dito medio, che ha scatenato la reazione pubblica e anche quella della Ciccone, che ha deciso di cestinare un altro suo featuring (l’altrettanto imbarazzante B-Day Song) nella versione deluxe del suo recente MDNA. M.I.A. è l’emblema dell’artista di razza, che non riesce a farsi intrappolare nel grande mercato, ma ne vorrebbe far parte a tutti i costi: questa dicotomia è evidente nella collaborazione con Versace e, contemporaneamente, nella scelta di aprire un suo concerto con una chiamata Skype di Julian “Wikileaks” Assange, che si proclama suo fan. La scelta di liriche impegnate politicamente è sempre stata evidente nel lavoro della giovane di origine tamil e Matangi, suo quarto lavoro, prosegue in questo discorso: ispirato alla dea hindu della musica, arte e poesia, l’album ha subito una lunga traversia. Inizialmente previsto per Dicembre 2012, la Interscope ha deciso di bloccarne la pubblicazione perché troppo “allegro e positivo”, fino a quando l’artista ha minacciato la sua casa discografica di distribuirlo gratuitamente. Queste controversie, però, non ne hanno intaccato il contenuto: Matangi è un’ottima prova, migliore di Maya, che si ispira agli esordi (soprattutto Kala), e contiene il solito calderone di suoni orientali, grime, hip hop, elettronici, che hanno reso M.I.A. una delle interpreti più uniche e intraprendenti dell’ultimo decennio.
M.I.A. ha ampliato la scelta di produttori che l’hanno accompagnata in questo viaggio: i primi rumors parlavano di Pharrell, Swizz Beatz, Polow Da Don, maestri nel creare beats hip hop di successo, ma, nessuno di questi nomi è presente in Matangi. La selezione è ricaduta sul collaboratore storico Switch, qui, in forma smagliante, e su Danja, Hit-Boy, Surkin e altri nomi minori e indie-pendenti. Il singolo apripista Bad Girls, uscito, ormai, più di un anno fa, è la traccia più pop di Matangi, ma rimane ancora irresistibile: quel suo ritmo orientaleggiante e la frase “Live fast, die young/Bad girls do it well” si imprimono nella mente e, ascoltandoli, sembra sempre di rivedere le quattro adolescenti sbandate di Spring Breakers di Harmony Korine o il gruppo di giovani ladri di The Bling Ring della Coppola. Ma M.I.A. guarda moltissimo alle sue radici: la title track, uno degli highlights dell’album, con il suo sapore bollywoodiano, è un frammentato elenco di paesi mondiali su un beat sincopato che, non solo dimostra in quanti si ispirino alla sua musica (Santigold, Azealia Banks), ma ricorda da vicino Bird Flu; Only 1 U e aTENTion, invece, si rifanno al debutto Arular, con un mix, maggiormente riuscito nella prima, di elettronica e dancehall. Come Walk With Me è una solare danza indiana orecchiabilissima, prima della sua trasformazione che ben si rifà alla definizione che M.I.A. aveva dato per descrivere Matangi: Paul Simon sotto acidi. Ci sono, anche, frequenti incursioni nell’hip hop: la potente Warriors richiama Watch The Throne di Jay-Z e Kanye West in salsa orientale (il produttore Hit-Boy, non a caso, è lo stesso); la doppia e soave collaborazione con The Weekend in Exodus/Sexodus, in cui indossa le vesti di un’artista r’n’b; l’aggressiva e riuscita Bring The Noize e la critica a Drake in Y.A.L.A., parodia di YOLO del rapper (“You Only Live Once”), in cui il beat oscuro e scarno – sullo stile di Yeezus dell’ultimo West – accompagna liriche quali “If you only live once/Why do we keep doing the same shit?/ Back home, where I come from, we keep being born again and again”. Non mancano il reggae dancehall di Double Bubble Trouble, né l’esperimento rarefatto di Lights, così tanto Santigold, da non poter distinguere le due.
Matangi riconferma che M.I.A. ha qualcosa di più di molte altre sue colleghe della scena attuale: un desiderio continuo di sperimentare e di rompere le barriere tradizionali che ci regala un ottimo lavoro e un’artista ormai inconfondibile e originale.

Label: Interscope
Anno: 2013

Track list

01. Karmageddon
02. MATANGI
03. Only 1 U
04. Warriors
05. Come Walk With Me
06. aTENTion
07. Exodus
08. Bad Girls
09. Boom Skit
10. Double Bubble Trouble
11. Y.A.L.A.
12. Bring The Noize
13. Lights
14. Know It Ain’t Right
15. Sexodus

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a cura di Marco Valchera

Quasi due anni dopo la diffusione di quello che sarebbe dovuto essere il singolo apripista, Invisible, scomparso dalla tracklist finale, Skylar Grey è riuscita, finalmente, a pubblicare il suo nuovo, secondo album, Don’t Look Down.  Il suo esordio del 2006 Like Blood Like Honey era passato del tutto inosservato: ma la ventisettenne Holly Brook Hafermann non si è data per vinta e in questi anni è divenuta una nota songwriter di brani di successo, come Love The Way You Lie, hit mondiale di Eminem con il featuring di Rihanna. Proprio il celebre rapper bianco ha preso sotto la sua ala protettiva Skylar, collaborando alla produzione dell’album, insieme al fido compagno di lei, Alex Da Kid e J.R. Rotem. Citando tra le sue influenze musicali Joni Mitchell, Marilyn Manson e i Death Cab for Cutie, nei mesi scorsi Don’t Look Down era stato annunciato come un lavoro commerciale ma al contempo di avanguardia, melanconico, cinematico, e, a tratti, dark. In realtà ci troviamo di fronte a un album prevalentemente pop, composto di numerose ballate al pianoforte sporcate (per non dire rovinate) da batterie hip hop, tra una Sara Bareilles meno solare,  una Amy Lee meno funerea e un Avril Lavigne meno squillante e più cresciuta. La Grey cerca di barcamenarsi tra i numerosi featuring e questa ostentata tristezza di fondo, anche nelle liriche, appare per nulla sincera: Don’t Look Down è un assembramento di brani perfetti per relazioni finite male ma nulla di più, uno scontato pacchetto di toni trascinati, quasi a voler rendere ogni singola parola una lama affilata.
Si parte con Back From The Dead, con i featuring del rapper Big Sean e del batterista dei Blink 182, Travis Barker: ballata al pianoforte, contrassegnata da un ritornello hip hop, simile alle produzioni dei primi anni Duemila di Timbaland, che si risolleva un po’ con la strofa di Big Sean, ma stride con la vocina della Grey. Final Warning, uno dei potenziali singoli, è il brano di gran lunga migliore dell’album: sorretto da una chitarra acustica e da liriche risentite verso un amante violento, la crudezza delle immagini create contrasta positivamente con la placidità della struttura musicale (You keep throwing punches but you won’t win this fight/You’re just fucking yourself when you don’t read the signs/I’m going to the kitchen, coming back with a knife/ ‘Cause i’ve had enough this time). Wear Me Out è uno swing pop pianistico risentito migliaia di volte; Religion è una scopiazzatura, condita con le solite pulsazioni black, di Taylor Swift o della Lavigne. C’Mon Let Me Ride, con un sample – ahinoi – di Bicycle Race dei Queen, vanta la collaborazione di Eminem: teoricamente concepita come quello che sarebbe dovuto essere il brano di successo, fortunatamente è stata snobbata da tutte le charts. Seguendo la falsa riga di Stupid Girls di P!nk, anche nel videoclip, è un tremendo tentativo hip pop di parodia dei luoghi comuni della black e pop music, tutto giocato sulla sfera sessuale, a partire dalla bicicletta del titolo. Imbarazzante e da dimenticare al più presto. Le successive Sunshine e Pulse scorrono via senza lasciare nulla: forse la seconda è leggermente più identificabile per un’aura di “mistero”, anche se molto plastificato. Glow In The Dark si risolleva un po’ con gli archi che arricchiscono la medesima struttura pianoforte- strumentali hip hop alla Dr. Dre. Shit, Man!, in compagnia della rapper Angel Haze, non si allontana dalle atmosfere di tutto ciò che abbiamo finora ascoltato, così come Clear Blue Sky, dove a cantare sembra Rihanna. Tower (Don’t Look Down) lambisce i territori del pezzone pop rock FM, retto da chitarre elettriche, mentre la conclusiva White Suburban è una ballata acustica solo retta dal pianoforte (Sarah McLachlan docet), senza orpelli di alcun tipo, che ci mostra che la ragazza ha talento, ma che, almeno in questo Don’t Look Down, è stato usato male.

Label: Interscope
Anno: 2013

Tracklist

01 – Back from the Dead
02 – Final Warning
03 – Wear Me Out
04 – Religion
05 – C’mon Let Me Ride
06 – Sunshine
07 – Pulse
08 – Glow in the Dark
09 – Shit, Man!
10 – Clear Blue Sky
11 – Tower (Don’t Look Down)
12 – White Suburban

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a cura di Marco Valchera

Ogni volta che i OneRepublic pubblicano un nuovo album, scatta in me il gioco di rintracciare somiglianze con brani di altri autori, che, in alcuni casi, si spingono al limite del plagio. Questo, purtroppo, accade anche con il loro terzo lavoro, Native: le nuove melodie intessute dal leader Ryan Tedder, noto produttore di dive quali Beyoncé, Kelly Clarkson, Leona Lewis, si presentano già sentite, deboli, troppo mainstream, un difetto che l’anno scorso ha riguardato anche l’ultimo album dei Maroon 5, Overexposed. Dopo il grandissimo successo di Apologize con il featuring del produttore hip hop Timbaland, e un esordio, Dreaming Out Loud (2007), ricco di ballate rock alla U2 o Snow Patrol, il successivo Waking Up (2009) coniugava pop da classifica (Good Life ne è un esempio perfetto) con arrangiamenti orchestrali interessanti, a volte eccessivi e barocchi, producendo, finora, il loro risultato migliore. Native, al contrario, è meno ispirato: si coglie l’impressione che la band di Colorado Springs abbia voluto abbracciare ogni forma di pop degli ultimi mesi, anche le meno ispirate, riunendole in un calderone, retto solo dalle belle interpretazioni di Tedder. Ciò che si ascolta per un’ora è puro mestiere: di sentimenti genuini ve ne sono pochi, e anche i brani più posati, in cui la band eccelleva, risultano falsi, scontati, di “plastica”. Descritto come un’evoluzione della loro musica, bisogna solamente sperare che i OneRepublic intraprendano una nuova strada e non proseguano questa, fatta di strumentazioni allegre e ricche di sintetizzatori, sulla scia degli ultimi Coldplay del tremendo Mylo Xyloto (2011).
Si parte con Counting Stars, motivetto leggerino che rivela dopo poche iniziali note che ci troviamo di fronte ad un riadattamento di Drive By dei Train, già di per sé imbarazzante, arricchito, si fa per dire, da un bridge sconnesso con il resto della composizione. Si prosegue con i due singoli estratti fino a questo momento: If I Lose Myself, giocata sui sintetizzatori sull’esempio di Human dei The Killers, è la classica canzone che potrebbe scalare le charts senza infamia e senza lode, mentre Feel Again è una scopiazzatura malriuscita di Dog Days Are Over di Florence + The Machine, coniugata con il loro uso classico della batteria, ma ha dalla sua un chorus immediato, che la solleva dal piattume che seguirà nella tracklist. What You Wanted è un miscuglio di suoni anni Ottanta e sintetizzatori in una pseudo ballata scialba e ripetitiva; I Lived, quasi convincente nelle strofe, si macchia con un bridge che è palesemente ripreso da Chris Martin, mostrando, per l’ennesima volta, poca creatività e molta faccia tosta. Dopo il breve barlume costituito da Light It Up, primo brano di Native in cui facciano capolino chitarre rock, e la tipica ballata al pianoforte e cello Au Revoir, sullo stile del loro precedente lavoro, separate dall’insulsa Can’t Stop, che sembra una demo che Tedder avrebbe dato alla Lewis e che lei avrebbe, sicuramente, rifiutato, il finale ci riserva veramente delle brutte sorprese. Burning Bridges è un auto plagio: sembra di ascoltare una nuova versione peggiorata del loro ultimo successo, Good Life. Something I Need è inascoltabile, tanto che ci si chiede come sia possibile che ci siano voluti più di tre anni per produrre un brano così scontato nelle liriche e negli arrangiamenti. Preacher, dopo un’intro di archi, è la classica ballata alla OneRepublic, sognante e romantica, con Tedder che fa il suo compitino vocale, accompagnato da un coro gospel col tentativo di rendere più soul il tutto. Ma di soul, di anima, c’è poco, anche nella brevissima e conclusiva Don’t Look Down.
Paradossalmente nella deluxe edition di Native si trovano due brani piacevoli, quali Something’s Gotta Give, in cui c’è un sapiente uso dell’elettronica, e la più tradizionale Life In Color, nella campagna pubblicitaria di Ralph Lauren, che ci aveva fatto sperare, alcuni mesi fa, per un buon album. In più sono presenti versioni acustiche di tre brani presenti nella standard che rivelano, se ce ne fosse il bisogno, quale sia la strada che i OneRepublic dovrebbero intraprendere.

Label: Interscope
Anno: 2013

Tracklist

01 – Counting Stars
02 – If I Lose Myself
03 – Feel Again
04 – What You Wanted
05 – I Lived
06 – Light It Up
07 – Can’t Stop
08 – Au Revoir
09 – Burning Bridges
10 – Something I Need
11 – Preacher
12 – Don’t Look Down
13 – Something’s Gotta Give
14 – Life In Color
15 – If I Lose Myself (Acoustic)
16 – What You Wanted (Acoustic)
17 – Burning Bridges (Acoustic)