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A soli 22 anni, ma già con una lunga gavetta alle spalle, Lùisa ha intrecciato la sua strada con l’etichetta Nettwerk: Never Own, coprodotto con Filippo Chimenti, è espressione della volontà dell’artista tedesca, originaria di Amburgo, di creare un suono che sia soltanto suo, senza orpelli di produzione o ingerenze di major.

Dotata di un timbro vocale riconoscibile e magnetico, Lùisa veste le sue composizioni di un folk rock che ricorda Wallis Bird e che, alla lunga, soffre un po’ di monotonia: Down, ad esempio, è un bel brano ma, posto alla fine della scaletta, è difficilmente riconoscibile rispetto a ciò che lo precede. Tralasciando le non riuscitissime incursioni nel francese (L’hiver en julliet) e nell’italiano (All’inizio suona come Elisa), Never Own riserva, però, più di una sorpresa: l’iniziale Under the Wild Skies è un profondo e toccante folk rock che vive di echi lontani e di un’interpretazione vocale vicina a quella di Adele in Rolling In The Deep; il singolo Belong lambisce i territori di Ani Di Franco; la sospesa Vision che si apre nel finale a un tappeto di synths e al mantra “Oh, I long for a new life” è il cuore dell’album, insieme all’acustica e coheniana Mothertree. In questo acquerello di tinte folk non poteva mancare anche un richiamo a Kate Bush (ILJ), ma ciò che permette a Lùisa di emergere è il modo di interpretare ogni suo brano con una convinzione e un’unicità rare (Lover): pur se il contesto sonoro non è ancora originalissimo, Never Own è una buona prova del talento di un’artista ancora giovanissima e di ottime promesse.

Label: Nettwerk
Anno: 2015
Genere: folk, folk rock

Track list

1. Under the Wild Skies
2. Belong
3. Vision
4. ILJ
5. Wouldn’t Mind
6. L’hiver en juilliet
7. Lover
8. More
9. Winterbird
10. Down
11. Mothertree
12. All’inizio

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Nella foresta dei Great Lake Swimmers è germogliato questo sesto album, a 3 anni di distanza da New Wild Everywhere. Come è evidente dai titoli dei dischi, A Forest of Arms non rinnega la dimensione bucolica della band canadese, che continua a nuotare nella corsia del folk, con il giusto approccio indipendente. A dispetto del carattere itinerante delle registrazioni (alcune delle quali effettuate all’interno di vere e proprie cave in Ontario), i Great Lake Swimmers sfruttano le potenzialità vocali di Tony Dekker (da ascoltare attentamente in The Great Bear), carattere distintivo della band. La componente strumentale emerge in alcuni episodi, in particolare nella splendida Shaking All Over, con il violino che ci riporta a atmosfere pur sempre selvagge, ma più irlandesi, mentre Don’t Leave Me Hanging e I was a wayward pastel bay si avvicinano pericolosamente al repertorio degli Okkervil River. Non mancano influenze dei R.E.M. (One more charge at the red cape), mentre un piccolo saluto al Boss (con inchino annesso) viene fatto con I Must have someone else’s blues, che se non fosse troppo derivativa si candiderebbe senza dubbio a miglior pezzo del disco. O forse, enigmaticamente, lo è.

Label: Nettwerk Music Group / Self
Anno: 2015
Genere: folk

Tracklist:

1. Something like a storm
2. Zero in the city
3. Shaking all over
4. Don’t leave me hanging
5. One more charge at the red cape
6. I was a wayward pastel bay
7. A bird flew inside the house
8. A jukebox in a desert of snow
9. I must have someone else’s blues
10. The Great Bear
11. With Every Departure
12. Expecting You

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Se c’è una cosa che abbiamo imparato dalla lunga carriera musicale di Sara Lov – prima con i Devics e poi in solitaria – è che la sua voce riesce a sposare perfettamente le atmosfere sognanti e malinconiche dei suoi brani. Questo lo conferma anche il suo secondo lavoro – se si esclude l’album di cover I Already Love You, in cui, tra l’altro, si cimentava con Patty Pravo – Some Kind Of Champion: finanziato grazie al sostegno dei fan e prodotto dal fidato Zac Rae (My Brightest Diamond, Fiona Apple), non si discosta dal suo bell’esordio, se non per un tentativo di dilatare l’esperienza musicale andando a comprendere anche country e folk (la title track o la conclusiva e scialba The Dark).

Ciò che riesce meglio all’artista è creare panorami autunnali che risplendano delle luci dell’alba: Diamonds Of The Truest Kind ne è l’esempio, così come One In The Morning, vicine ai lievi acquerelli di Seasoned Eyes Were Beaming. Anche le tracce costruite prevalentemente con il pianoforte non perdono questa vena dreamy: la notturna The Sharpest Knife che si apre agli archi nel finale, la bellissima e jazzata Trains che si lascia andare a vocalizzi quasi tribali su un letto di note che non avrebbero sfigurato in Tidal della Apple e l’alternarsi di voci in Willow Of The Morning. Ma non sono le uniche sorprese che Some Kind Of Champion offre, confermando il talento dell’interprete: su tutte svetta Rain Up, componimento insolito per la Lov, che nella sua semplicità, per lo più un’acustica e riverberi, ne rivela la fragilità, o la più spensierata e solare Sunmore, che ricorda la prima Corinne Bailey Rae o Bic Runga.

Label: Irma Records
Anno: 2015
Genere: dream pop, folk

Track list

01 – Some Kind Of Champion
02 – Diamond Of The Truest Kind
03 – One In The Morning
04 – The Sharpest Knife
05 – Rain Up
06 – Trains
07 – Sunmore
08 – Sorrow Into Stone
09 – Willow Of The Morning
10 – The Dark

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Le strade popolari è il disco d’esordio del cantautore calabrese Michelangelo Giordano, che deve la sua popolarità a un curioso caso che lo vede coinvolto con gli organizzatori del Festival di Sanremo. Pare infatti che la sua scalata di quest’anno per arrivare al palco dell’Ariston sia stata fermata per i sospetti sollevati dai troppi voti ricevuti. Per Le strade popolari sembra invece che non si corra lo stesso rischio: dal chiaro sapore cantuatoriale e ispirato alla musica leggera italiana, l’album risulta spesso melenso. Nonostante il coraggio nell’affrontare temi spinosi e complessi (l’iniziale Chi bussa alla porta sembra affrontare il tema della schizofrenia; Nella stanza chiusa a chiave è ispirata alla storia di Natascha Kampusch), ad affiorare è spesso la componente nazional-popolare, soprattutto nei ritmi, come nelle tradizionali feste di paese. E l’utilizzo del dialetto in tre episodi (l’ambiziosa Nun cangianu li cosi, Sutta a luna e Non pozzu campari) non risulta un valore aggiunto, ma pone più di un dubbio sui rischi di involuzione localista della musica italiana negli ultimi anni.

Label: autoprodotto
Anno: 2015
Genere: cantautoriale, folk

Tracklist:

1. Chi bussa alla porta
2. Lungo il cornicione
3. L’amore ci chiede amore
4. Luna
5. Il paesino di periferia
6. Nun cangianu li cosi
7. Nella stanza chiusa a chiave
8. Sutta a luna
9. Dolce e amara
10. Io vorrei
11. Non pozzu campari

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A distanza di 6 anni dall’ultimo disco, Elvis Perkins ritorna con questo I Aubade, pubblicato lo scorso 6 luglio dalla sua etichetta, la MIR Records. Arricchito dalla partecipazione di molti altri musicisti (tra cui Nick Kensey, Cornelia Livingstone e Becky Stark), Perkins non si discosta dalla tradizione folk con cui aveva impressionato gli ascoltatori nei primi due album. Per I Aubade tuttavia decide di ritrarsi in se stesso, occupandosi in prima persona della composizione e del mixaggio, rendendo la registrazione il più rudimentale possibile. Il risultato è un disco semplice ma complesso al tempo stesso, che abbisogna dei suoi tempi per l’ascolto e la comprensione ma le cui 13 tracce sembrano eteree e sfuggenti. Voce e chitarra sono naturalmente protagoniste, e sembra spesso di sentire una versione agreste di Rufus Wainwright, come in It’s Now or Never Loves che crea atmosfere sentimentali contrastanti. I Came for Fire cattura la nostra attenzione per dolcezza e pathos, così come Hogus Pogus, in cui Perkins sfoggia tutte le sue doti di songwriter. Sono molti i momenti lenti, in cui Elvis ci culla sbirciandosi con malcelata consapevolezza (My Kind o & Eveline, i cui rimandi vintage portano indietro nel tempo), o quelli visionari: la parte finale di The Passage of Black Gene ci ammalia con i suoi improvvisi colori. Tutto rientra comunque nella visione folk dell’artista, un flusso sotterraneo che emerge ogni tanto in superficie (come nella buffa Gasolina) ma che si sente scorrere perenne e irrefrenabile sotto i nostri piedi.

Label: MIR Records
Anno: 2015
Genere: folk

Tracklist:

1. On Rotation Moses
2. My Kind
3. I Came for Fire
4. & Eveline
5. It’s now or Never Loves
6. The Passage of Black Gene
7. AM
8. Hocus Phogus
9. Gasolina
10. Accidental Tourist (a white Huayno melody)
11. All Today
12. My 2$
13. Wheel in the Morning

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L’abbiamo tenuto in serbo per l’estate, ma ormai è arrivato il tempo di danzare con Viga. Il secondo album dei Mandrake è uscito nel gennaio 2015 per Riff records. La band livornese di Giorgio Mannucci dopo l’ottimo esordio del 2012 con Zarastro continua a muoversi sul solco di una tradizione indie-folk, inserendo numerosi elementi pop e alcune arie di chiara ispirazione classica: l’iniziale Tales of wizard ce ne dà ampi assaggi, accompagnandoci verso atmosfere sognanti o decadenti, degne di Jonathan Strange e Mr. Norrell. La tentazione pop è dietro l’angolo e ci aspetta con la successiva Mom & Dad. Two young lovers è senz’altro il pezzo più interessante del disco: non solo per la preziosa partecipazione di Lisa Papineau (Air, M83), capace di emozionare a fondo, ma anche per la perfezione della costruzione e di germoglianti melodie (deliziosi i fiati). I ritmi si affacciano timidamente in The madam (dando una maggiore colorazione al disco: sembra quasi di ascoltare una versione primordiale dei Gomez, senz’altro nella parte vocale) e ancor di più in Skeletons, dove a fare da numi tutelari sembrano essere i Libertines. Con Something to die for ci si rituffa nel placido mare della tradizione classica anche se nella parte finale sembrano affiorare gli Smashing Pumpkins. Nel finale del disco, menzione particolare per The end of the world, con la partecipazione del Sinfonico Honolulu (unica orchestra italiana di ukulele) e qualche spruzzo di Strokes nell’assolo; e San Francisco, capace di ricreare l’atmosfera di maestosa foschia conclusiva della meravigliosa baia. Grazie Viga per averci riportato fin qui.

Label: Riff Records
Anno: 2015
Genere: Pop, Folk, Indie

Tracklist:

1. Tales of wizard
2. Mom & Dad
3. Two young lovers
4. The madam
5. Skeletons
6. Something to die for
7. Tuscan moon
8. The end of the world
9. Scan your eyes
10. Ghost in me
11. San Francisco

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Per il loro esordio i These Radical Sheeps sembrano lasciarsi cullare dalle dolci note del banjo, che vibrano in un paesaggio di aperta campagna. Le atmosfere di A Morning sono gradevolmente sixties, esaltate dall’aspetto corale, ma il quintetto padovano non disdegna ritmi più sostenuti, come nella successiva Soleada: a dispetto dell’intro, il pezzo sembra entrare in territori più rock e a qualcuno non sfuggirà qualche eco dei Dandy Warhols nella parte elettrica. L’attacco blues di Coffee & Cigarettes è di una maturità impressionante, il pezzo è molto ben arrangiato e ti trasporta con facilità.

Forse tutto questo pone qualche dubbio sulla reale direzione che vuole prendere la band, lasciando alquanto confuso l’ascoltatore. In genere i pezzi più lenti come la visionaria Colors (e la stessa A Morning) sembrano più nel mood di una colonna sonora per una colazione all’alba all’aria aperta, mentre In The Middle è sostenuta da una parte vocale potente e degna di un paragone con Bono Vox. In sostanza il disco scivola via fino alla conclusione, ma resta la curiosità di sapere, dopo una buona colazione, in che modo passeranno la giornata queste pecore radicali.

Label: Autoprodotto
Anno: 2015
Genere: Indie-Folk

1. A Morning
2. Soleada
3. Coffee & Cigarettes
4. Colors
5. In the middle
6. This Life
7. Looking For
8. Grey

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a cura di Antonio Frascione

E’ uscito il 2 febbraio il nuovo lavoro discografico di Mauro Ottolini, registrato nel teatro studio dell’ Auditorium Parco della musica, dal titolo Musica per una società senza pensieri. Ispirati dal Trentino , in articolare, da un piccolo borgo con strade ciottolose, da un’antica fabbrica di armonium e da una  fotografia del 1921 che ritrae una banda di paese, dal nome “Orchestra della società senza pensieri”, i Sousaphonix provano a rievocare la storia dei “musici in bianco e nero”. Il nome dell’ orchestrina degli inizi del 900, tanto evocativo quanto originale, incuriosisce Ottolini e la sua squadra proiettandoli in un viaggio di ricerca sulla musica popolare durato circa due anni. Ci sorprendono ancora una volta, dopo il successo del precedente disco Bix Factory, proponendo un repertorio di musiche originali mescolate con atmosfere folk, improvvisazione e suoni contemporanei.
Un viaggio musicale immaginario , con contaminazioni che vanno da Duke Ellington, alla cantante egiziana Oum Kalthoum, alla voce intensa della diva portoghese Amalia Rodriguez, al grande compositore giapponese Yamada Kosaku, fino a spingersi nel cuore della Giungla Blu dell’imperatore Cha Ku per conoscere le misteriose note e i magici effetti della danza chiamata Chubanga. Un ottimo lavoro anche quello del Mix Engineer che ha saputo ben valorizzare suoni tribali e dolci melodie talvolta arricchite dall’interferenza imprevista di una corale alpina e dalle voci di Vanessa Tagliabue Yorke, Vincenzo Vasi e Gavino Murgia. Sousaphonix è una ensemble composta da Fisarmoniche, organetti, flauti, percussioni, chitarre classiche, viole, violini e naturalmente tutti gli strumenti di Otto…Assaporiamo un’ atmosfera popolare, proprio come  l’ orchestra triestina che negli anni Venti suonava per far ballare la gente dopo la vendemmia o nelle feste dopo la mietitura, trasportata nella contemporaneità e travolta da suoni metropolitani.
Un’ idea interessante e creativa  per il lancio della produzione discografica è il cartone animato che accompagna “Chubanga”  il primo singolo del progetto che vi proponiamo a questo link.

Label: Parco della Musica Records / Egea Music.
Anno: 2015
Genere: folk

Tracklist

01. Febbre gialla
02. What Else You Can Do with a Drum
03. Yves l’accordeoniste
04. Canto ucraino
05. Lullaby / Moy Haroshi
06. Pagan Love Song
07. Sirt El Hob, Pt. 1
08. De Cara a la Pared
09. Chubanga
10. Matti Pellonpaa / Ack Varmeland du skona
11. My Indian Red
12. Papa Loko
13. Noel”

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Sharon Van Etten è la dimostrazione che, talvolta, le aspettative sono ben riposte: dopo una serie di album acustici, Tramp (2012), prodotto da Aaron Dessner de The National, l’aveva imposta ad un pubblico più ampio e si era rivelato come una delle migliori sorprese di cantautorato degli ultimi anni, a metà strada tra una certa dimensione indie rock e una malinconia da cantautorato grunge. Are We There, sua quarta fatica, si spinge liricamente ancora più in là: è una seduta terapeutica che affronta la fine di una violenta e tormentata relazione della Van Etten, mai così autobiografica e sincera. Vi sono momenti memorabili in questo album per quanto sofferti e diretti, parole taglienti e profondamente umane: su tutti Your Love Is Killing Me, splendida ballata rock, in cui un procedere in levare – da un organo iniziale si arriva a drums e a un cantato che trasmette passione e intensità uniche – si accompagna a riflessioni drammatiche, una preghiera d’amore con capovolgimento di sentimenti tradizionali (Break my leg so I can’t walk to you/ Cut my tongue so I can’t talk to you/ Burn my skin so I can’t feel you/ Stab my eyes so I can’t see). Prodotto dalla songwriter in persona, Are We There si accosta alle liriche personalissime di Fiona Apple, ma, musicalmente, prende una strada diversa da ciò che la Van Etten ha fino ad ora creato: c’è una maggiore commistione di generi, di suoni, di esperimenti, che si amalgano perfettamente grazie all’atmosfera di dolore che rende l’album una sorta di concept sull’amore. Fortunatamente non l’amore da tre parole, ma il sentimento vero che conquista e scandaglia l’animo umano: Are We There è precisamente questo.
Già a partire dalla toccante apertura Afraid Of Nothing si capisce che c’è un fortissimo desiderio di mettersi in gioco con gli arrangiamenti: note di pianoforte e leggeri archi ricordano l’ultima Feist (Caught A Long Wind) e dipingono un’atmosfera priva di barriere, come un viaggio all’alba con il finestrino abbassato e la testa appoggiata verso l’esterno – proprio come nell’artwork. Nonostante la dolcezza della chitarra acustica, la Van Etten mostra un’umanità sofferta: We’ve known each other for a long time/I need you to be afraid of nothing. Taking Chances è una ballata d’amore cupa, disincantata, costruita su brevi riff di chitarra elettrica nei chorus, sintetizzatori e percussioni lievi. La rappresentazione di una fiducia tradita continua con Our Love (At the bottom of a well/I’m reliving my own hell), delicata torch song con organo, sintetizzatori molto 80’s e ritornello mantrico. Tarifa è un incantevole brano di cantautorato americano alla Ryan Adams, arricchito di fiati e un pathos non invadente. Per la prima volta la Van Etten si lascia andare anche a due ballate pianistiche: la dolente e perfetta I Love You But I’m Lost (il titolo dice tutto) e la amosiana I Know (I sing about my fear and love and what it brings). You Know Me Well guarda maggiormente al suo passato mentre Break Me lega un falsetto vocale, sintetizzatori e linee di chitarre. Every Time the Sun Comes Up è un’ironica visione della sua carriera e della sua relazione (People say I’m a one-hit wonder, but what happens when I have two?/I washed your dishes, but I shit in your bathroom) con deliziose note pop rock, dalle leggere spruzzate country.
Scendendo così in profondità nell’animo dell’artista, Are We There conferma che Sharon Van Etten è una delle migliori cantautrici della nostra generazione.

Label: Jagjaguwar
Genere: Alternative rock, folk rock
Anno: 2014

Track list

01 – Afraid of Nothing
02 – Taking Chances
03 – Your Love Is Killing Me
04 – Our Love
05 – Tarifa
06 – I Love You But I’m Lost
07 – You Know Me Well
08 – Break Me
09 – Nothing Will Change
10 – I Know
11 – Every Time the Sun Comes Up

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Si dice che i pazzi abbiano gli orecchi grandi per sentire quello che il mondo finge di non volere sentire. Questo viene da pensare mentre scorre sullo stereo Mò Mò nuovo disco di Gasparazzo, musicista dal sangue musicale misto, un po’ zingaro, un pochetto al di là dell’oceano e molto, ma molto tra le sabbie del mediterraneo,  un mondo il suo che  tra cantautorato, folk, ritmi in levare e schizzi caratteriali riesce a cromatizzare esigenze dal basso rimanendo a suo modo elegante e sopra i fili del revivalismo.
Undici brani che si muovono ognuno con la propria vita ondulante, brani che corrono, si fermano e riprendono a scorrere a seconda la loro voglia di esibirsi, giri morbidi, sogni color sentimento e poesia a yo-yo fra due equilibri, danno la misura esatta, perfetta, per un disco da ascoltare e ballare tutto d’un fiato, con la sinuosità ciondolante che disseta la voglia di essere mentalmente in chissà quale altro posto dell’esistenza. Gasparazzo & Soci ci accompagnano in un traveller meticcio e profumatissimo di contenuti sociali e verve, spiritosità e storie legate da una personalità no-global che strappa una simpatia unica e una verace predisposizione ad andargli dietro in men che si dica.
La baldanza di fisarmonica e muffin per i Mondiali Antirazzisti in Rovesciala, la frenesia di Agro, istinti alla Manu Chao che zampettano in Centopelle per arrivare al pugno in faccia a chi non vuole fregarsene dell’ingiustizia, la ballata reggae di Cristo è là dedicata a Federico Aldrovandi, tratta dalle parole di Lino Aldrovandi, in onore e memoria del figlio assassinato dalla polizia di stato. Difficile  trovare motivi per non avere  tra cuore e stereo questo disco di Gasparazzo, ma ancora difficile fare finta di niente!
Per ballare e sognare mondi migliori.

Label: URL/ New Model Label
Anno: 2014
Genere: Folk contaminato

Tracklist:

1. Rovesciala
2. Michelazzo
3. Mò mò
4. Agro
5. La tromba di Eustachio
6. Impulsi nudi
7. Centopelle
8. Se i posacenere potessero parlare
9. Mimi
10. Cristo è là
11. Fondaco